Janet Werner et ses inspirations.

Artiste canadienne établie à Montréal depuis déjà plusieurs années, Janet Werner (1959-) a récemment exposé à la Galerie de l’UQÀM (31 octobre au 14 décembre 2013) plusieurs portraits qui, après un examen approfondi, ne sont pas peints pour commémorer un individu. Werner contrevient ainsi au rôle traditionnel du portrait en insufflant à ses œuvres une dimension ironique de la représentation et dans lesquels elle explore les thématiques de la subjectivité et du désir. Opposant la beauté au grotesque, Werner manipule, massacre et transforme délibérément les corps, imposant ainsi au regard une étrangeté déconcertante qui combine photographie de mode et référents à l’histoire de l’art, et qui incite à la réflexion sur la nature fictive de ces portraits ainsi que sur l’image de la femme dans la société.

Les magazines de mode

À gauche :
Janet Werner (1959-)
Bunnyhead
2009
Source : Parisian Laundry

À droite :
Vogue, Février 1965
Source : Google Images

Impossible de ne pas remarquer une filiation entre Bunnyhead (2009) et une photographie tirée du Vogue de février 1965. Werner ne présentant jamais ses références photographiques, il nous est impossible de savoir si cette image était connue de l’artiste lorsqu’elle a peint Bunnyhead. Pourtant, la position du personnage ainsi que son visage masqué par une tête de lapin est une telle coïncidence qu’il nous est impossible de la passer sous silence. Bien que se basant sur des images préexistantes, Werner, en en modifiant la forme, tend à affirmer l’authenticité de sa propre création.

 

Il est par ailleurs intéressant de mentionner que la physiognomonie antique, soit la « science qui s’intéresse aux manifestations physiques des dispositions de l’âme et aux caractères acquis venant modifier les signes conjecturés d’après la physionomie[1] », comparait la physionomie des animaux à celle des hommes afin de déterminer les attitudes de ces derniers. En remplaçant le visage de son modèle par celui d’un lapin, Werner cherche peut-être à lui attribuer des comportements propres à cet animal, effaçant du même coup son appartenance à l’humanité tout en soulignant sa qualité d’objet. Il s’en dégage alors une volonté de révéler le phallocentrisme de la société et d’affirmer que les stéréotypes naturalisés sont le résultat d’une construction modelée à travers le regard masculin.

L’histoire de l’art

 

À gauche :
Janet Werner (1959-)
After Goya
2009
Source : Parisian Laundry

À droite :
Francisco Goya y Lucientes (1746-1828)
Duchesse d'Alba
1795
Source : Google Images

 

Il est parfois difficile pour les néophytes de voir les références à l’histoire de l’art. Néanmoins, il arrive que les artistes laissent quelques indices permettant d’associer le référent historique à leurs créations. After Goya (2009) en est un bon exemple, car le titre en lui-même identifie clairement que le portrait s’inspire d’une œuvre de Francisco Goya y Lucientes (1746-1828), soit la Duchesse d’Alba (1795). Bear (2010) est une œuvre intéressante puisque, comme Bunnyhead, il est impossible de le lier à une image particulière. Le spectateur est donc obligé de se référer à son propre bagage visuel. Pour ma part, en voyant comment le personnage de Werner était vêtu, j’ai immédiatement songé au costume militaire britannique. Le Lieutenant John Pollock (c.1807-1813) peint par William Beechey montre clairement cette filiation.

 

À gauche :
Janet Werner (1959-)
Bear
2010
Source : Parisian Laundry

À droite :
William Beechey (1753-1813)
Lieutenant John Pollock (John Pocock)
c.1807-1813
Source : Indianapolis Museum of Art

 

 

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[1] Laurent Baridon et Martial Guédron, Corps et arts. Physionomies et physiologies dans les arts visuels, Paris, L’Harmattan, 1999, p. 17.

Photo du dimanche : "XXe Siècle" de Bill Vazan

XXe Siècle est une série de dix tableaux réalisée entre 1973 et 1975 par Bill Vazan, une figure importante de l’art conceptuel canadien et récipiendaire du prestigieux prix Paul-Émile-Borduas en 2010.

 

 

Ces tableaux, présentés au Musée national des beaux-arts du Québec jusqu’au 14 septembre prochain, sont les témoins d’une démarche frôlant l’obsession. Bien qu’au premier abord le spectateur a l’impression d’observer des œuvres abstraites, c’est lorsqu’il s’en approche qu’il conçoit la tâche colossale que s’est imposé l’artiste. Dans des cadres d’une simplicité sans prétention, Vazan a systématiquement estampillé, à l’aide d’un tampon dateur, la date de chacun des jours du XXe siècle, du 1 janvier 1900 au 31 décembre 1999.

 

À travers ces données numériques, l’artiste permet au spectateur d’intégrer sa propre subjectivité, car il peut les associer à des évènements de sa propre vie. De plus, en incluant des dates ultérieures à l’année de complétion de l’œuvre (1975), Vazan ouvre une porte vers l’avenir et en dévoile subtilement les possibilités à travers le regard du spectateur.

 

Photographies personnelles